● 新的起点 

    宋元以后,中国的山水画基本上是以水墨为主要创作方式的,墨的简朴玄淡被认为是可以概括所有的色彩并可以充分地表现文人雅士的志趣、精神和文化品位。因此,对于笔墨的技术要求和视觉感受成为画家在山水画的形式上最重要的追求。

    社会发展到今天,我们的精神生活和物质生活已经和古人有了很大的不同,我们开始喜欢谈论个性,喜欢谈论现代化。就中国画而言,我们也认为以水墨为主导的作品形态和表现方式己经不能满足我们大家的审美需要,让丹青重放光彩的时候已经到来。虽然对于色彩的使用可以有多种多样的认识和实践,但对于中国画来说,也并不是什么创新的作为,只是在很长的一段时间里,不太有人做这样的事,给我们今天有了这样的机会而已

    我们习惯上把传统的山水画分成水墨、浅绛和重彩三种样式。其中水墨的色彩是最单纯的,仅用黑白两色,严格地说是只用黑一色。因为水墨画的白色都是纸张留出来的,而墨色的深浅浓淡,也是用水把墨稀释了画上去的。水墨的画法充分利用了毛笔和宣纸的特性,运用笔墨的干湿浓淡造就出许多微妙的变化出来。张彦远说“草木敷荣,不待丹碌之采;云雪飘颺,不待铅粉而白,山不待空青而翠,凤不待五色而綷。是故运墨而五色具,谓之得意;意在五色,则物象乖矣。”这种认识的根源可以追溯到孔子“绘事后素”、老子“五色令人目盲”的看法,水墨滤去了自然风景中的绚丽色彩,注重以情境的营造和笔墨的表现潜入内心,追求朴素和简淡的美。笔痕墨迹的变化,虽无色彩的灿烂,但有“机趣天成”,黑白中幽隐阴阳之道,应该是最理想化的色彩境界了。另外,古代画水墨画的画家都是文人雅士之辈,画画大都属自娱玩玩,也不想弄那些五颜六色的瓶瓶罐罐那样的麻烦,所以用一枝笔一块墨一碗水来画画,也很符合他们画画时的状态。

    浅绛的画法,则是在水墨的基础上略施淡彩,通常用的是一冷一暖的花青和赫石,稍为浓重一点的也用一些石青石绿朱膘等等,依然遵循水墨的清雅简淡原则。设色的目的也不是要去追摹和表现山水的客观情态自然性状,只是使画面层次的变化较之水墨更为丰富一些。清代王原祁说到设色之法,认为“与用墨无异,全在火候,不在取色,而在取气,故墨中有色,色中有墨。……但取傅彩悦目,不问节腠,不入窾要,宜其浮而不实也”。着色不是为 了要表达色彩,而是的更好的体现墨韵。因此要服从墨色表现,注重色与墨的相调和。当然,我们会发现淡赭淡青本身也具有非常雅致好看的色相,在水墨的底子上施一遍赭石或者花青可以使画面在视觉上更加的单纯和谐统一。
 
    青绿画法则是传统山水画中色彩最为浓重的一种,不过它的辉煌已经是一千多年前的事情。以石青石绿为主调的色彩形态来源于“青山绿水”这一客观的自然存在,但还是不同于西方写实绘画中的对自然风景的光色空间进行科学的分析和真实的表现。青绿山水以线条勾勒造型,设色虽然鲜亮明丽,但不离中国传统的色彩观念与用色原则。青绿是象征性的,这样的色彩意象可以让我们感受到木草滋润生命蓬勃。而通过色的并置来实现彩的生动,才是我们使用色彩的高明之处。青绿山水画色谱不算太复杂,主要用的也是石青石绿赭石花青,偶尔用些朱膘朱砂点缀,色相取其天然本色。这些颜色放在一起十分的耀眼,所以要用对此的色相做底,用墨色勾染,免去了一些“火气炫目”。这样的处理方法把青绿山水画的创作和欣赏纳入了一个比较固定的模式并在今天成为种一种传统绘画的经典样式。

    水墨、浅绛和青绿的骓与俗、兴与衰都是过去的事了。其实不论那一种样式中国画的色彩表现都是以超越物象的客观情状而直接指向心性情意为最高境界的。“夫观气采色,天下之通用也。心变于内而色应于外,皎然可见”。应该庆幸我们有这样的传统,这使我们今天把色彩作为一种学术思考的时候有了一个从古典出发的新起点,我们要做的只是从长期的技法相传中形成的种种程式中解脱出来,赋于色彩以新的形象和新的生命。
 
    色彩是情境,也是意境。情境源于客观存在,意境生发于心性和灵性。

    单纯是一种境界,缤纷也是一种境界。要在单纯的色彩中体验缤纷,在缤纷的色彩中实现单纯是一种更高的境界。

    色彩要用眼去看,也要用心去画。用眼看到的是色相、色度、色的比较、色的感觉,而其中的激情、理想、期待、创造等等生命的气象是要用心才能体会得到的。

    古人认为墨的黑白可以包容一切的色彩,这是一种气度不凡的情怀。 而今天的中国画应该包容所有的色彩,才是为更符合这个时代精神的一种胸怀。

二千零四年春于闽中卧云堂著录

《当代青绿山水画家林容生》福建美术出版社

2004.2出版

更新时间:2009-6-14 0:54:25
版权所有 © 2008 林容生 WWW.LINRS.COM 网站由福建美术在线提供技术支持 闽ICP备05001118号